31/12/2010

Melhores e Piores do Meu 2010

Entre meu saldo de 2010, posso escolher não somente os filmes deste ano, mas aqueles que, mesmo de anos anteriores, se tornaram parte de minhas experiências cinematográficas nos últimos 365 dias. Escolher entre estes 10 melhores filmes é tarefa complexa e, principalmente, injusta, mas posso tentar escolher alguns destaques dos filmes que vi neste ano, em ordem alfabética.

Hors Concours
  1. Bem-Vindos
  2. Boogie Nights
  3. Guerra ao Terror
  4. Mary & Max
  5. Ônibus 174
  6. Origem, A
  7. Rede Social, A
  8. Toy Story 3
  9. Tropa de Elite 2
  10. Viajo por que preciso, volto porque te amo
Menções Honrosas - Não chegaram lá, mas merecem destaque:

  1. (500) Dias com Ela
  2. Ano em que meus pais sairam de férias, O
  3. Homem Duplo, O
  4. Jackie Brown
  5. Margot e o Casamento
  6. No Meio do Mundo
  7. Spider
  8. Terra Deu, Terra Come
  9. Tournée
  10. Up
Piores - bem, isso resume:
  1. Antes que termine o dia
  2. Avatar
  3. Crepúsculo / Lua Nova
  4. Crossroads
  5. Lobisomem, O
  6. Par Perfeito
  7. Príncipe da Pérsia - As Areias do Tempo, O
  8. Shrek Para Sempre
  9. Te Amarei Para Sempre
  10. Tron - O Legado

Saldo de 2010

Encerrando o ano de 2010 com um saldo positivo. Não consegui fazer as críticas de todos os filmes que queria fazer, outros, não valiam a pena nem meia linha escrita, mas estes foram as obras com que me deparei neste ano que passou, na sala escura ou no conforto da sala, mas todos proporcionando experiências únicas, não importando se foram boas ou ruins:
  1. Guerra dos Mundos (War of the Worlds)
  2. Dançando no Escuro (Dancer in the Dark)
  3. Avatar (idem)
  4. Presságio
  5. Abraços Partidos (Los Abrazos Rotos)
  6. Guerra ao Terror (The Hurt Locker)
  7. O Lobisomem (The Wolfman)
  8. O Desinformante (The Informant)
  9. Ônibus 174 (idem)
  10. Spider (idem)
  11. Tá Chovendo Hamburguer (Cloudy with a Chance of Meatballs)
  12. Se Beber, Não Case (The Hangover)
  13. O Ano em que meus pais sairam de férias (idem)
  14. Direito de Amar (A Single Man)
  15. Up (idem)
  16. Nine (idem)
  17. O Homem Duplo (A Scanner Darkly)
  18. Soul Kitchen (idem)
  19. Terra Deu, Terra Come (idem)
  20. Rota Comando (idem)
  21. Mary and Max (idem)
  22. $9,99 (idem)
  23. Educação (An Education)
  24. Alice no Pais das Maravilhas (Tim Burton's Alice in Wonderland)
  25. O Rap do Pequeno Príncipe contra as Almas Sebosas (idem)
  26. Os Inquilinos (idem)
  27. Viajo porque preciso, volto por que te amo (idem)
  28. A Pequena Sereia (The Little Mermaid)
  29. O Cantor de Jazz (The Jazz Singer)
  30. Bem-Vindos
  31. Conte Comigo (You Can Count On Me)
  32. O Príncipe da Pérsia - As Areias do Tempo (The Prince of Peresia - The Sands of Times)
  33. Shrek Para Sempre (Shrek Forever After)
  34. Tudo o que você sempre quis saber sobre sexo mas tinha vergonha de perguntar
  35. O Casamento do Meu Melhor Amigo (My Best Friend's Wedding)
  36. Um Sonho Possível (The Blind Side)
  37. No Meio do Mundo (Puisque Nous Sommes Nés)
  38. Toy Story 3 (idem)
  39. Crossroads (idem)
  40. O Sorriso de Monalisa (Monalisa Smile)
  41. Tudo Pode Dar Certo (Whatever Works)
  42. (500) Dias com Ela (500 Days of Summer)
  43. Doce Novembro (Sweet November)
  44. O Bem Amado (idem)
  45. P.S.: Eu Te Amo (P.S.: I Love You)
  46. A Era do Gelo (Ice Age)
  47. À Prova de Morte (Death Proof)
  48. A Origem (Inception)
  49. Par Perfeito (Killers)
  50. Margot e o Casamento (Margot at the Wedding)
  51. Boogie Nights (idem)
  52. A Era do Gelo 2 (Ice Age 2)
  53. A Era do Gelo 3 (Ice Age 3)
  54. Antes que termine o dia (If Only)
  55. O Procurado (Wanted)
  56. O Som do Coração (August Rush)
  57. Além da Estrada
  58. A Rede Social (The Social Network)
  59. Tournée (idem)
  60. Contos da Era Dourada
  61. Morte e Vida Severina (idem)
  62. Tropa de Elite 2 (idem)
  63. A Epidemia (The Crazies)
  64. Minhas Mães e Meu Pai (The Kids Are All Right)
  65. Homens em Fúria (Stone)
  66. Milk (idem)
  67. Te Amarei Para Sempre
  68. Vicky Cristina Barcelona (idem)
  69. Crepúsculo (Twilight)
  70. Lua Nova (New Moon)
  71. Jackie Brown (idem)
  72. Substitutos (Surrogates)
  73. Sequestro do Metrô 123, O
  74. Prenda-me Se For Capaz (Catch Me If You Can)
  75. Tron - O Legado (Tron - Legacy)
  76. Código de Conduta
  77. Para Sempre Lilya
  78. Entre Irmãos (Brothers)
E que venha 2011 e mais filmes no horizonte...

16/12/2010

Tournée e o submundo do showbizz


Mathieu Amalric pode ser considerado um dos maiores atores franceses da atualidade, tendo oferecido performances marcantes em filmes como O Escafandro e a Borboleta e A Questão Humana, mas, aos poucos, vem se firmando como um diretor promissor, tendo trabalhado em curtas-metragens e filmes para TV e oferecendo mais uma empreitada para uma filmografia arrojada com Tournée.

Nesse longa, ele conta a história de um produtor famoso da televisão parisiense - Joachim -, que tinha abandonado tudo - filhos, amigos, inimigos, amores e remorsos - para recomeçar do zero na América. Ele regressa com uma companhia de strippers - chamada New Burlesque –, em que o humor dos números e as curvas das filhas entusiasmam tanto homens como mulheres. E, apesar da impessoalidade dos hotéis, das suas músicas de elevador e da falta de dinheiro, as showgirls inventam um mundo extravagante de fantasia, de calor e de festa. Com uma história simples no seu desenvolvimento, mas poderoso na concepção de suas personagens e diálogos, o diretor compõe um cenário humano ao mesmo tempo decadente na sua concepção de Arte e Criação e esperançoso na sua condição de trabalhador e ser humano ansioso pelo reconhecimento de sua dignidade.

Mesmo sabendo muito pouco sobre suas personagens, o espectador mergulha fundo em suas crenças e sentimentos, identificando-se bastante com o desenrolar da narrativa, atando-se ao fio de expectativa que as move por sua jornada dentro daquele submundo de drogados e promíscuos. Com interpretações marcantes de Amalric e seu grupo de beldades, o longa consegue se fortalecer na dinâmica de seus atores, que em seus momentos cômicos e dramáticos, proporcionam uma experiência de identificação profunda até mesmo com aqueles que nunca experimentaram o prazer que somente o descaminho extremo proporciona.

15/12/2010

Tropa de Elite 2 – Um Governo de Violência


Formadas por policiais, bombeiros, vigilantes, agentes penitenciários e militares, fora de serviço ou na ativa, as milícias são grupos criminosos que controlam várias favelas da cidade do Rio de Janeiro, intimidando e extorquindo moradores e comerciantes a pretexto de garantir a segurança contra traficantes.

Esse é o novo inimigo que surge em Tropa de Elite 2, em que Coronel Nascimento encara o desafio de bater de frente com o sistema que domina o Rio de Janeiro, ele descobre que o problema é muito maior do que imaginava. Ele precisa equilibrar o desafio de pacificar uma cidade ocupada pelo crime com as constantes preocupações com o filho adolescente. Quando o universo pessoal e o profissional de Nascimento se encontram, o resultado é explosivo. Com roteiro de José Padilha e Bráulio Mantovani, o longa promove uma evolução para o longa original, desenvolvendo melhor suas personagens e tornando-o um dos melhores filmes nacionais dos últimos anos.

Mantovani, com seu trabalho neste longa consegue se estabelecer como um dos melhores roteiristas de sua geração, propondo três linhas narrativas que jamais se perdem, mas prendem o espectador em sua dialética complexa: o núcleo de milícias, o núcleo familiar de Nascimento, o núcleo da candidatura governamental. Tendo Nascimento como ponto de intersecção entre estes núcleos, o roteiro, logo de início, recorre a uma estratégia utilizada em Cidade de Deus, do mesmo autor: Nascimento principia o tom irônico de sua narração em ponto-chave de sua narrativa – um tiroteio de que é o principal alvo – e retornando ao começo da história, quando, tempo depois, as imagens mostram um final diferente do esperado, levando ao desenvolvimento do ato final do longa.

Urgente, tenso e doloroso. Adjetivos que se aplicam tanto à direção de Padilha – que se fortalece com enquadramentos precisos, uma edição ágil e orgânica, uma trilha sonora poderosa e uma paleta de cores variada e funcional – quanto ao desenvolvimento de seu elenco. Enquanto Wagner Moura constrói um Nascimento cujas nuances de ansiedade, remorso e tristeza humanizam ainda mais o ícone pop que ele ajudou a criar, firmando-o entre os melhores atores da atualidade, Irandhir Santos emerge como contraponto à altura do Coronel, oferecendo Deputado Fraga firme em seus princípios, e Maria Ribeiro firma-se como uma coadjuvante que garante seu espaço, mesmo que em poucas cenas, assim como o restante do elenco.

Incrível na empatia que provoca no espectador, Padilha carrega nas tintas da crítica e da violência a fim de denunciar e acalorar as discussões sobre a violência no Brasil. Se Nascimento parece ter encontrado na sua fala diante do tribunal que julga os culpados um resquício de esperança de transformação, quem sabe o cidadão comum possa se satisfazer com a crença no herói que existe dentro de si, pronto para encarar as conseqüências que esta luta arrasta consigo.

14/12/2010

Alienação e Genocídio em A Epidemia


Como uma refilmagem de um clássico de George Romero – O Exército do Extermínio, 1973 -, A Epidemia (The Crazies, 2010) atualiza o visual de uma história que, mesmo superficial, termina rendendo uma experiência intensa na sala escura.

Durante a primavera de uma tranquila cidade do interior, os moradores misteriosamente tornam-se pessoas silenciosas e extremamente agressivas, algo provocado por substâncias químicas no abastecimento de água do local. O casal David (Timothy Olyphant) e Judy (Radha Mitchell) se vêem cercados por aqueles que um dia já foram seus vizinhos e amigos, mas agora vagam pela cidade com um único objetivo em mente: matar. Sem os tradicionais dez minutos destinados à apresentação da situação dramática de suas personagens, o longa traz o espectador direto para a ação, quando, num jogo de baseball, um dos moradores ameaça David com uma espingarda, sendo morto pelo mesmo em seguida. Com o passar do tempo, os ataques começam a se intensificar até se descontrolar completamente, onde nenhum dos integrantes da equipe de resgate tem a confiança do espectador.

Mergulhando abruptamente na história sem preparação, os espectadores são lançados em uma teia onde o desconhecido e o inesperado predominam, ainda que permeado por sustos óbvios, onde o realista e o sobrenatural estão sempre à espreita. Com um roteiro simples, sua composição trata o ataque súbito daqueles moradores como uma metáfora ao genocídio e à violência de uma maneira geral, concebendo-a como algo sem sentido que, por motivo algum, domina aquelas personagens.

Questionando os limites entre a violência protetora e a destrutiva, seu diretor constrói um longa superficial, mas intenso, que ainda reserva ao espectador um ar de ironia ao seu final, compondo um painel de alienação ao redor dos acontecimentos trágicos da cidade.

Minhas Mães e Meu Pai - Uma Nova Família


Em certo momento do longa de Lisa Cholodenko, todos os integrantes da família estão reunidos e todos brindam à uma “família incomum”: formada por duas mães, dois filhos e um doador de sêmen. Se antes a noção de núcleo familiar residia na composição de pai, mãe e filhos, amplamente propagados no cinema pelo chamado american way of life, hoje família termina se tornando algo construído de forma quase despropositada, quando os laços se tornam cada vez mais distantes espacialmente, porém mais unidos sentimentalmente.

Em Minhas Mães e Meu Pai (The Kids Are All Right, 2010), dois irmãos adolescentes, Joni (Mia Wasikowaska) e Laser (Josh Hutcherson), são filhos do casal homossexual Jules (Julianne Moore) e Nic (Annette Bening), concebidos através da inseminação artificial de um doador anônimo. Contudo, ao completar a maioridade, Joni encoraja o irmão a embarcar numa aventura para encontrar o pai biológico sem que as "mães" soubessem. Quando Paul (Mark Ruffalo) aparece, tudo muda, já que logo ela passa a fazer parte do cotidiano da família, o que traz conseqüências imprevisíveis no relacionamento amoroso de Nic e Jules, assim como na maternidade de ambas diante de uma figura paterna até então inexistente.

O roteiro de Cholodenko equilibra-se entre o drama e a comédia ao explorar questões que envolvem a paternidade e a maternidade homossexual no contemporâneo: enquanto Jules se frustra por não conseguir se firmar numa responsabilidade prática por sua vida, Nic esforça-se por controlá-la ao extremo, sendo excessivamente crítica e protetora com todos em redor; Joni e Laser, de formas diametralmente opostas, encontram em Paul um referencial masculino que os faz rever suas trajetórias como família, pois, ao se inserir nela, ele, de início, bem aceito, termina sendo expulso pelo desequilíbrio que terminou causando.

Dosando comicidade e drama, seus atores conseguem trazer tridimensionalidade a uma sinopse que, se em alguns momentos, resvalam no humor escrachado, conseguem trazê-los para dentro do seu universo: Julianne Moore e Annette Bening concebem duas mulheres apaixonadas num relacionamento aparentemente saudável que mostra suas feridas com a traição de Jules com o doador de esperma. No show de interpretação de ambas reside sua maior força: tanto na cena do restaurante, onde Nic e Jules conversam sobre suas dificuldades e inseguranças, assim como na cena do jantar na casa de Paul, onde, ao descobrir a traição de Jules, Bening desmancha seu rosto com a dor de uma revelação que ela imaginava nunca receber: como alguém que suportou a força de assumir um relacionamento homossexual “regride” para uma sexualidade hetero? Nesse momento, percebemos que não se trata de uma questão social ou simplesmente institucional como formação familiar, mas são sentimentos e decisões que residem na esfera do indivíduo .

Ambas conseguem mostrar por completo as inseguranças que suas personagens apresentam uma diante da outra, algo que supera os clichês do gênero “filmes de relacionamento gay”: se antes as maiores dificuldades residiam na possibilidade de se ter um relacionamento diante de uma sociedade preconceituosa, hoje os relacionamentos consumados enfrentam as mesmas dificuldades dos heterossexuais, como novo protótipo de família contemporânea.

Homens em Fúria: Sobre Certo e Errado




A Religião, por si só, considera divino algo que nos eleva para o bem estar, para a realização de atos com a plena consciência de estar cumprindo algo positivo para a Humanidade. Ela cria noções de certo e errado que podem ou não ser seguidas, mas, de modo algum, podem ser ignoradas por aqueles que vivem em uma sociedade regida pelos ditames do Divino.

No longa Homens em Fúria (Stone, 2010) - numa tradução que mantém o longa no terreno dos clichês - a religião torna-se um dos pontos de maiores discussão através do seguinte enredo: Jack Mabry (Robert De Niro) está cansado de anos e anos de trabalho no departamento de liberação de condicionais. Perto de se aposentar, ele pega um último caso, o de Gerald "Stone" Creeson (Edward Norton), condenado que vai para a última audição, apresentando o trivial comportamento perturbado: uma década antes, ele e seu primo incendiaram a casa da avó. Estranhamente, ele insiste que suacompanheira, Lucetta (Milla Jovovich), conheça Jack, com o intuito de manipulá-lo. De início hesitante, Marby começa a ser seduzido pela esposa do prisioneiro, que parece estar desejando mudar sua condição, apresentando uma busca por um encontro espiritual que lhe distancie das práticas de outrora.

O maior destaque do longa reside na dinâmica entre Robert De Niro, Edward Norton, Frances Conroy e, surpreendentemente, Milla Jovovich, que, apesar de ressoarem clichês de outras atuações, trazem ao cenário humano que compõem uma autenticidade que o eleva do thriller convencional para um interessante estudo sobre a moral social. Ambos conseguem compor nuances interessantes para suas personagens que se questionam constantemente sobre os parâmetros regem o julgamento de atitudes certas ou erradas para uma determinada sociedade, deixando pontos em aberto para que o espectador possa concluir por si só.

Mesmo que não seja um trabalho genial e imprevisível, seu diretor consegue se utilizar dos clichês com certa habilidade a fim de mostrar quão frágeis são as bases em que se constroem os fundamentos de uma sociedade pretensamente sadia, pois o certo e o errado convivem lado a lado, tentando se equilibrar: seja no desejo de liberdade do condenado a morte, seja na guerra santa promovida por religiosos fundamentalistas.

13/12/2010

Vicky Cristina Barcelona Happening



Happening - do inglês, acontecimento - é uma forma de expressão artística que, apresentando características das artes cênicas, incorpora algum elemento de espontaneidade ao cotidiano do público que o experimenta no momento em que é representado.

Vicky Cristina Barcelona conta a história de duas jovens americanas - a conservadora Vicky e a aventureira Cristina -, que viajam para Barcelona a fim de passar as férias de verão e acabam se envolvendo em confusões amorosas com um artista extravagante – Juan - e sua insana ex-esposa – Maria Elena -, o que termina se tornando um happening para suas vidas aparentemente normais. Ambas equilibram-se e desencaminham-se constantemente entre a ação passional e períodos de reflexão sobre o que vivenciam, sem julgamento ou moralismo, mas como simples fatos da vida. Os rompantes de desatino das personagens que Allen nos apresenta nesse longa cativam pela sua sinceridade e humanidade, mas acima de tudo pela destreza com que são interpretados, principalmente nas performances marcantes de Johansson e Cruz como a dupla de moças que equilibram o coração volátil de Bardem.

Allen, no entanto, aparece de forma mais aparente na racionalidade paranóica e quase destrutiva de Vicky, que, com seu excesso de análise diante das situações, termina, a princípio, se tornando irritante e neurótica como a persona de seu diretor sempre se deixa mostrar. Contudo, em Cristina, percebe-se um Allen desejando que sua verve passional o encaminhe para a beleza do mundo, como se ele, ao sair das sensações úmidas e cinzas de Nova York, tivesse, se de fato, encontrado alguma paixão em sua vida. Woody Allen, de alguma forma, parece que se tornou, além de cineasta, um personagem nos cânones da cinematografia norte-americana, sempre retratando os dilemas e situações ao mesmo tempo vazios e complicados de um cotidiano caracterizado pela verborragia e excesso de racionalidade. E nesse longa, revela um Allen que se permite navegar por outros mares, além das neuroses cotidianas, sem, no entanto, abandoná-las por completo, mas percebê-las sob outra perspectiva, diante de uma beleza que troca a insegurança e a repressão da metrópole nova-iorquina pela exuberância e verve criativa de uma Barcelona.

Vicky, Cristina e Cia. propõem ao espectador a realização de um happening com a própria vida, onde o espontâneo e o imprevisível são capazes de transformá-la em uma obra de arte, onde a paixão se torna essência, ingrediente principal para lhe dar o sabor devido, ao invés de um simples condimento que se perde à massa de racionalidade e previsibilidade que parece predominar no cotidiano.

10/12/2010

Milk por uma sexualidade de fato humana


No longa evolução racional, artística, política, tecnológica etc que a Humanidade realizou e testemunhou durante todos esses anos, a sexualidade pode ser considerada uma das áreas que encontrou as maiores dificuldades. Talvez pelo seu caráter universal, talvez pelas reservas com que a sociedade ocidental acostumou-se a tratar desta temática, mas em nenhum momento pode-se negar que se trata de um tema complexo, onde não se pode – ou não se deve – simplesmente ser maniqueísta ou tentar encerrar o discurso em uma linha ou vertente que atenda a todos os discursos satisfatoriamente.

Nos Estados Unidos, a educação conservadora que regia a Constituição do país precisou ser revisitada depois que uma pessoa comum fez valer os seus direitos: Harvey Milk foi um ativista dos direitos homossexuais que, ao se mudar com seu namorado para São Francisco no início dos anos 70, abriu uma loja de revelações fotográficas e, depois de passar pelo preconceito da comunidade local, surpreendeu a todos ao se tornar um verdadeiro agente de mudanças. Com a ajuda de amigos e voluntários, foi eleito para o Quadro de Supervisores de São Francisco em 1977, tornando-se o primeiro homossexual a ser votado para um importante cargo público nos Estados Unidos. No filme de Gus Van Sant – Milk -, mostra-se o lançamento de sua candidatura, assim como a sua vitória, após sucessivas derrotas, seguido dos infortúnios que se seguem após o cumprimento de suas propostas. O roteiro habilidoso de Dustin Lance Black equilibra o ponto de vista de Milk com as situações que o mesmo vivenciou ao longo dos oito anos em que trabalhou em seu ativismo, tratando-o de forma humana e sincera.

Gus Van Sant alia à uma edição caprichada e dinâmica - que une reconstituições com atores e fotos e videos reais da época - um excelente trabalho com seus atores – principalmente nas performances cativantes de Sean Penn, James Franco e Josh Brolin - para compor um cenário majoritariamente político, mas que ainda acreditava em mudanças positivas através do engajamento de pessoas comuns ao poder. Talvez seu maior mérito seja mostrar outro lado desta comunidade: não mais sofredora ou culpada pelos sentimentos que possuem pelo mesmo sexo, mas arrojada nas mudanças de qualidade de vida que almeja na sociedade que tanto ama. Se, em tempos anteriores, filmes como Brokeback Mountain (Ang Lee, 2006) e Boys Don’t Cry (Kimberly Pierce, 1999) tocavam o espectador pela maneira como abordavam o sofrimento pela condição dos homossexuais – as angústias internas e as conseqüências do assumir sua sexualidade de maneira dolorida -, o longa de Van Sant mostra um grupo forte, que, mesmo temendo suas retaliações, se mantém seguindo, pois, como mostra o discurso inicial de Milk, eles se sentiram recrutados para defender seus próprios direitos.

Talvez o maior abismo que exista entre o Eu e o Outro esteja naquilo que nos universaliza: o amor e a sexualidade. Milk simplesmente desejou transpor esse abismo, estendendo a mão para que conhecêssemos a sua maneira de pensar e sentir e ir além do mero julgar.


06/12/2010

O paradoxo da solidão contemporânea em A Rede Social


Depois de ter construído o painel mais sincero sobre a sociedade dos anos 90 com Clube da Luta (Fight Club, 1999), David Fincher volta novamente seu olhar para o contemporâneo, apresentando desta vez um olhar menos raivoso, mas, ainda assim, tão autodestrutivo quanto em A Rede Social (The Social Network, 2010).

Mark Zuckerberg, em 2003, após romper com uma namorada, cria um site em que, através de um algoritmo, permite aos alunos de Harvard escolher entre as garotas mais gostosas da universidade, tornando-o persona non grata em todo o campus. Fascinados pela chamariz que o fato causou na universidade, os irmãos Cameron e Tyler Winklevoss, que desejam criar uma rede de relacionamentos por um site exclusivo na internet, convidam Zuckerberg para trabalhar em sua equipe. No entanto, ele inapropriadamente se aproveita da idéia dos alunos para criar o Facebook, uma das maiores redes sociais criadas nos últimos anos. Tendo como base o livro “Bilionários Acidentais”, o roteiro de Aaron Sorkin equilibra três linhas temporais para delinear a personalidade destrutiva e solitária deste empreendedor que, ironicamente, possibilitou uma influência imensurável na maneira como as pessoas se relacionam na atualidade.

De maneira semelhante ao Daniel Plainview de There Will Be Blood (Paul Thomas Anderson, 2007) ou ao Charles Foster Kane de Citizen Kane (Orson Welles, 1941), presenciamos um homem criar em si mesmo seu monstro, caminhando rumo a sua solidão deliberada, mesmo que seja sua própria forma de caverna: no mundo contemporâneo, é impossível ficar sozinho. Mark afasta todos que estão em seu redor: namorada, o melhor amigo, possíveis anunciantes, como se a única pessoa com quem se sentisse confortável fosse a si mesmo. Ele parece assumir essa condição com muita propriedade, enquanto todos nós parecemos nos enganar com a possibilidade de existência de algum diálogo sincero em uma sociedade onde o real e o virtual se mesclam com cada vez menos certeza daquilo que experimentamos.

Fincher constrói seu painel crítico com bastante habilidade, trazendo de forma dinâmica e intrincada a cadeia de situações com um trio de protagonistas que nunca declinam em sua interpretação. Eisenberg brinda o espectador com uma performance sempre incisiva e racional que conquista o público pela inabalável certeza de suas convicções; Gilbert, com sua visão humana e sofrida do amigo Eduardo Saverin, que foi traído Mark quando o Facebook fazia sucesso; e Timberlake, que mostra um Parker à vontade e despretensioso que atrai os holofotes logo em sua primeira cena. Aliando a essa faceta humana enquadramentos e fotografia elegantes, o diretor apóia-se em diálogos precisos e dinâmicos em uma profusão de situações que carregam seu espectador para dentro do seu universo sem aviso.

Fincher retrata uma juventude que cria constantemente para si a utopia de se conectar com o mundo através de uma rede social, mas que, na verdade, vive mais solitária do que quando todos nós utilizávamos somente o olho no olho. Não sabíamos o quão felizes éramos.


19/11/2010

Janela Crítica - INT 06 – Caro Diário


Um registro de verdades íntimas. Assim se pode pensar o programa internacional Caro Diário, que une seus curtas por uma temática centrada nas descobertas e sentimentos individuais diante do mundo e, do mesmo modo, com uma estética semelhante: registros naturalistas, como se a câmera participasse daquele ambiente.

O primeiro curta da noite – Blokes
(Marialy Rivas, 2010) – mostra a descoberta da sexualidade de dois rapazes durante o cerco provocado pela ditadura militar, em que a coação já havia se tornado lugar comum para todos. Com excelentes interpretações e um roteiro enxuto, o diretor compõe um cenário não-melodramático de uma sexualidade que nunca se mostra deveras sofrida, mas como um desvio às convenções rígidas.

Androids
(Maria Pérez, 2010), por sua vez, trata da exclusão social onde os algozes, na verdade, ganham o rosto da família: em um subúrbio quase idílico, um rapaz une-se à sua vizinha deficiente para formar um clube do OVNI, algo visto com bastante estranheza por todos que os cercam. De forma bastante convencional e abusando dos estereótipos, o diretor conduz suas protagonistas com destreza até sua tentativa de redenção, onde o desejo de ir embora não toma simplesmente ares de fuga, mas de um retorno ao seu “lar original”. Se o riso pela situação absurda de ambos surge, é pela identificação extrema com cada um de nós que se sente “desencaixado” dos padrões.


Seguindo a mesma esteira familiar, Dans nos veines (Guillaume Senez, 2010) trata de um pós-adolescente que, por conta das brigas familiares, teme perpetuar o estereótipo de paternidade que sempre acompanhou e padeceu em casa. Esteticamente, seu diretor se mostra seguro de suas intenções através de atores extremamente à vontade com seus personagens, permanecendo sempre desafiados pelas ações do outro. Se, em alguns momentos, os diálogos explicam excessivamente os sentimentos das personagens, acontece como na vida, quando nem sempre estamos à vontade para agir e explicar-se em demasia termina se tornando uma alternativa que traga mais alívio.


Encerrando esse ciclo sobre individualidades e familiaridades “disformes”, En suspension (Fanny dal Magro, 2009) mostra uma mãe solteira que cuida de uma filha que a reprime com seus desejos e carências insaciáveis, através de um roteiro sutil e interpretações cativantes que contrabalançam densidade e leveza com elegância. O desejo de se tornar responsável se desequilibra quando a ânsia de fugir das conseqüências que vêm a partir dele termina por sufocar a experiência da maternidade. Contudo, o cineasta não se mostra pessimista: como atesta a cena final, por mais difícil que seja continuar, o amor e o perdão surgem para trazer de volta as razões que permeiam esse desejo do compromisso.


Indivíduos que participam da sociedade. Comunidade que interfere nas decisões do indivíduo. Ao sair da sala de cinema, o espectador se revê como protagonista de seu próprio diário, como uma carta de desafio para os que o rejeitam ou uma declaração de amor àqueles que abrem seus braços para recebê-lo.

Janela Crítica - BRA 07 – De frente para a cidade


Ao olhar para os lugares onde habitamos de dentro para fora ou de fora para dentro, percebemos os meandros que saltam aos olhos e seguem além do simples concreto, mas tornam-se sensações que carregamos dentro de nós. Dessas sensações, o programa De frente para a cidade explora seus trabalhos.

Da sequidão nordestina, surge o primeiro curta – O Som do Tempo (Petrus Cariry, 2010) –, em que o espectador, de início amedrontado com os gigantes letreiros iniciais, mergulha sem medo na realidade miúda que o diretor exibe através de uma inspirada paleta de cores e monocromias e uma sonoridade quase sólida de tão presente, composta pelos sons diegéticos. Sem se prender ao ambiente sertanejo onde se fundamenta, o curta se universaliza ao deslocar sua câmera pelo mínimo, pelo zoom extremo ao cotidiano, onde sons e ritmos triviais compõem uma sinfonia sobre a própria passagem do tempo: ele não nos pertence, mas somos nós que caminhamos por sua estrada.

Transitando através das complicações do ajuntamento social, político, histórico das pessoas que nele habitam, Dias de Greve (Adirley Queirós, 2009) mostra-se um curta bem produzido, mas pouco inspirado – no quesito roteiro, direção e interpretação – para tratar dos embates entre as lutas trabalhistas a necessidade de sobrevivência. O espectador acompanha sem muita expectativa as discussões dos proletários grevistas, dos fura-greves e a relação posterior ao retorno para o trabalho, em que opressor e oprimido mantém-se da mesma forma – sintetizado pela cena final, onde, embora no mesmo lugar, os homens ainda assim deixam-se levar pelas relações hierárquicas.

Caminhando na contramão dos curtas anteriores através da criação de um mito dentro do universo urbano da Bahia, O sarcófago (Daniel Lisboa, 2010) mostra a composição primitiva e apocalíptica de um artista plástico para sua maior obra de arte: ele mesmo. Lisboa, através de uma edição precisa, uma trilha sonora contundente e impulsionante e enquadramentos estudados, consegue compor a dinâmica de sua personagem e permitir que o filme seja completamente dela. Religião e futurismo se mesclam em um Frankenstein estranho aos olhos da cidade, mas que comunica essa necessidade de transcender as barreiras temporais e espaciais da representação de si mesmo para seus companheiros de comunidade.

Finalizando esse ciclo – que parte de um olhar dos pertencentes à comunidade e chegando a um olhar marginal -, o curta Bailão (Marcelo Caetano, 2009) trata de um salão em São Paulo que reúne homossexuais de todas as faixas etárias pelo único propósito de comungar um momento: a dança. A partir de depoimentos de participantes de um “submundo” homossexual, o diretor costura uma relação de opressão em relação à cidade, à comunidade que segrega aqueles que optam por assumir uma sexualidade diferente dos padrões. Mesmo sem inovar esteticamente, o curta propõe um painel honesto de um arrependimento pelo que não se viveu, onde público e o particular se misturam com uma historicidade doída pelo amor não-concretizado.

Através de olhares tão pessoais sobre o lugar onde se vive, seus diretores mostram que as relações que se estabelecem na comunidade podem ser de afeto ou rejeição, de aceitação e medo, por que nossos habitats influenciam e são influenciados por aqueles que deles participam, sejam cineastas ou espectadores.

17/11/2010

Janela Crítica - BRA 04 – Fazendo Contato


Estabelecer contato prescinde de disposição de um para relacionar-se com algo ou alguém externo a ele, seja concreto ou sobrenatural. O programa 04 da Mostra Competitiva Nacional mostra a fluência dos diversos tipos de comunicação que pode se estabelecer com esse exterior.

Iniciando este ciclo, Canoa Quebrada (Guile Martins, 2009) traz o diretor em uma jornada em busca de seu pai, a quem nunca conheceu: a saída de casa, a viagem, a preparação do corpo e da alma no hotel. No momento-chave do longa – o primeiro encontro –, não ocorre uma epifania melodramática, mas uma evanescência natural diante do que o espectador (não) vê: o contato se realiza através da voz, emergindo essa figura paterna somente na imaginação. De maneira habilidosa, o diretor constrói um universo masculino destituído do ranço pelo abandono, mas com desprendimento com a possível seriedade que esta questão normalmente requer.

Em contrapartida ao anterior, o curta Carreto (Marília Hughes e Cláudio Marques, 2009) propõe um contato através de imagens e não de sons: Tinho trabalha carregando frutas num carrinho de mão e conhece outra criança que, mesmo deficiente, vive a infância que ele não experimenta. Utilizando desenhos, gestos e olhares, o diretor emociona o público com um painel delicado de afeição e confiança que se firma com uma redenção extremamente sutil, e não por algum deus ex machina milagroso.

De relacionamentos concretos, parte-se para contatos fundamentados no desconhecido: As Corujas (Fred Benevides, 2009) – baseia-se na literatura de Moreira de Campos para mostrar um homem que, meticulosamente, afasta as corujas do necrotério em que trabalha. Com essa base, o melodrama manifesta-se gradativa e intensamente através da confluência quase mágica de enredo, interpretações, enquadramentos, trilha e efeitos sonoros, fotografia. Todos esses elementos constroem uma ambientação lúgubre que inebria e atenta o espectador para qualquer impressão de mudança, da maneira mais inesperada possível.

Náufragos (Gabriela Amaral Almeida e Matheus Rocha, 2010), por sua vez, trata da morte de maneira alegórica e até divertida: Dona Odete tenta de todas as formas reencontrar o esposo que sumiu. Protagonista e diretora compõem um quadro elegante – com imagens ao mesmo tempo ternas e absurdas - onde real e sobrenatural não se excluem, mas se influenciam. Enquanto esmaece ao encontro do seu marido, somente a memória de Dona Odete proporcionará ao público sua eternidade, ao contrário daqueles que se perpetuam através da imagem.

Finalizando este ciclo, O Mundo é Belo (Luiz Pretti, 2010) privilegia a mescla do concreto com o sobrenatural em um universo transcendental: nosso mundo. O tempo parece se dilatar diante dessa presença quase divina através de imagens e sons que traduzem a sensação de abrir os braços diante do eterno e do fugaz.

Externo / Interno. Concreto / Sobrenatural. Conceitos que se fundem na construção de uma emoção / reflexão sincera sobre nossas formas de relacionamento com pessoas e obras como estas ou através delas.

16/11/2010

Janela Crítica - BRA 03 – Quanto Vale um Rosto


Mensurar um valor específico para se pagar para usar ou simplesmente observar um corpo pode ser considerado tarefa ingrata, mas algo que certamente temos feito com mais freqüência do que imaginamos, como demonstra o Programa 03 desta Mostra Competitiva Nacional.

Iniciando com o curta Ensaio de Cinema (Allan Ribeiro, 2009), um cotidiano caseiro de dois homens toma fôlego e êxtase quando a criação cinematográfica toma conta daquele ambiente, onde um se permite ser “filmado” e outro vasculha a imagem do outro em um ensaio caloroso em imagens e sensações. Uma bela fotografia que torna estes dois personagens quase palpáveis diante da tela, assim como diálogos que privilegiam a naturalidade de um amor desmedido pelo cinema – com referências a mestres como Antonioni, Bertolucci e Loach.

Em contrapartida, encontra-se em Cynthia (Marcelo Toledo e Paolo Gregori, 2010) a sucessão dos dias de uma mulher obrigada a estipular um preço para seu próprio corpo, trabalhando como manicure e garota de programa a fim de estudar dança no Japão. Belos ângulos e interpretações naturalistas bem compostas fazem deste curta um retrato doloroso e dramático de um cotidiano que aprisiona e parece cegar aqueles que nele se estagnam, mesmo possuindo o desejo de ir embora. Ao final do curta, em uma cena singular, Cynthia, com seu corpo pintado de branco e usando peruca verde, realiza uma performance para o espectador, demonstrando toda a dor de ser considerada mercadoria barata, objeto sexual. O espectador, então, se surpreende chorando por uma mulher igual a tantas outras, mas que se decompõe diante dele, como um pedido de misericórdia.

Finalizando o programa, Permanências (Ricardo Alves Junior, 2010) propõe estabelecer relações de semelhança entre as paredes desgastadas de um prédio em Minas Gerais e os rostos degradados de seus habitantes, mas, com o desenvolver do curta, um novo elemento torna-se chave para este relacionamento: a câmera. Considerada intrusa naquele meio, ela parece constranger o olhar de seus objetos de afeto, por parecer “impiedosa” no seu registro de todos os detalhes que percebe. Enquanto os personagens ocultam seus olhares da análise – talvez fria, talvez emocionada – do espectador, este também se constrange de ter pago um ingresso por uma expressão cujo valor é impossível limitar ou definir.

Com estes três excelentes trabalhos, o programa Quanto Vale um Rosto encerra uma mostra que se equilibra entre o êxtase e a reflexão, que dilui emocionalmente seu espectador tão anestesiado pelo consumismo e culto corporal do dia-a-dia.

15/11/2010

Janela Crítica - INT 05 – Estados Alterados


Quando se fala em alteração de estados, pode se pensar em estados físicos – sólido, líquido e gasoso -, o que também pode ser pensado em estados emocionais, quando pensamos estar mais firmes ou alucinados de acordo com o momento.

Uma sensação de estranhamento permeia o primeiro curta do programa - A history of mutual respect (Gabriel Arantes e Daniel Schmidt, 2010) conduz o espectador por uma história onde o desrespeito não se esconde através de atitudes polidas e falsas, mas emerge das relações de suserania e vassalagem que os personagens exercem. A ironia e o paradoxo constituem um ponto-chave do roteiro através de diálogos ao mesmo tempo filosóficos e preconceituosos, fortalecidos por meio de imagens inquietantes e belas – como a perseguição do homem branco nu à nativa desprotegida pela floresta na tentativa de miscigenar e perpetuar sua raça naquele lugar.

Propondo um olhar mais absurdo e cômico sobre as sensações, Floating Head (Ben Dickinson, 2010) flerta com os filmes fantásticos trash utilizando efeitos especiais toscos para trazer à tona diferentes relações que possuímos com o desconhecido: medo, rejeição, falta, anseio, amor, aceitação. Tudo isso demonstrado da maneira mais esdrúxula e divertida possível, ainda que de maneira rasa.

Indo na direção oposta ao trabalho anterior, ao criar uma mitologia muito simbólica e hermética para lidar com sentimentos como perda e morte, o curta If there be thorns (Michael Robinson, 2009) não consegue uma comunicação ampla com o espectador por centrar-se em um universo extremamente denso e intrincado. Uma obra para se ver uma vez para ser sentida, mas para se rever para ser compreendida.

Voltando ao ar debochado, a paródia dos filmes trash, o curta Health – We Are Water (Eric Wareheim, 2010) mescla linguagem de HQs e clichês do filme de horror – em slow motion, uma garota corre por uma floresta, sendo perseguida por um assassino –, mas propondo uma distorção que o eleva ao escracho total dos slash movies. Uma montanha russa de emoções - do medo ao riso – cujo único propósito é divertir.

Por sua vez, a narrativa linear de Jesusito de mi vida (Jesus Perez-Miranda, 2009) expõe a relação de uma criança com a religião: pouco antes de dormir, um menino sente vontade de ir ao banheiro, mas, por ter medo do escuro, reza a Jesus para que Ele tire sua vontade de urinar. Enredo, direção e interpretação coesos e sutis em uma obra mais esquecível do que tocante.

Caminhando na contramão dos trabalhos anteriores, com a técnica de animação impressionante, Dot (Sumo Science, 2010) lança seu espectador em êxtase para um mundo de aventuras que acontece num cesto de novelos, agulhas e retalhos, gerando um retrato alucinante e imaginativo das possibilidades infinitas da arte cinematográfica.

Propondo um olhar mais reflexivo e empregando belamente uma fotografia em preto e branco e elementos de teatro de formas animadas, El Paraiso de Lili (Melina Leon, 2009) tem como protagonista uma garota que começa a se revoltar com “sistema” que governa o Peru de 1988. Singelo e sincero, ainda que pareça um curta perdido, quando se pensa na temática do programa.

Finalizando a mostra internacional, o curta Fear Thy Not (Sophie Sherman, 2010) mostra o percurso de uma mão que guia seu corpo rumo ao desconhecido, cantando uma música como se fosse uma âncora de segurança em meio à escuridão. Um cinema que trata de sensações quase táteis, ainda que pouco desenvolvido.

A alteração dos estados emocionais proposta pelo programa parece ir além das temáticas das histórias que estão sendo contadas, mas permear a experiência cinematográfica do público daquela noite, que se percebia com uma variedade de sensações – riso, tristeza, medo, reflexão, êxtase etc – em poucos minutos.

Janela Crítica - BRA 06 – Estamos Todos Juntos


Refletindo sobre laços familiares feitos ou desfeitos, o programa incluiu curtas que empregavam diversas técnicas a fim de trazer à tona sentimentos como saudade, compreensão e até humor. Todos eles, conectados de alguma forma à relação da infância com o protótipo de mundo que encontra no microcosmo do seu lar.

Ensolarado (Ricardo Tagino, 2010), o primeiro curta da noite, versa sobre a trajetória de uma menina que mora no sertão castigado pelo sol, cujo desejo de fugir para um lugar diferente e a descoberta de uma forma de fazê-lo procuram ocultar o que está mais evidente na narrativa: a saudade que se seguirá após a partida da menina para outro lugar. O trabalho com não-atores traz um frescor e uma veracidade imensa ao curta, ao contrário do emprego das cores desbotadas e dos close-ups extremos, que oferecem, paradoxalmente, uma textura árida que enfatiza o discurso da obra.

O segundo curta-metragem – Avós (Michael Wahrmann, 2009), que já havia sido exibido na noite de abertura – trata das relações entre um neto e seus avós: um olhar carinhoso e compreensivo sobre aquelas pessoas que parecem tão confiantes e tão frágeis ao mesmo tempo. Uma direção forte sem ser invasiva e um roteiro que toca pela sutileza com que aborda um relacionamento distanciado no tempo, mas não na presença física. Enquanto que, na abertura, seu foco pudesse ser a relação de amor com o cinema e a possibilidade de olhar para si mesmo, quando o vemos neste programa, privilegia a observação das relações de afeto que existem naquela casa, ainda que veladas.

Da melancolia do curta anterior, parte-se para a descontração do registro de um dia de brincadeiras em Perto de Casa (Sérgio Borges, 2009) -, onde podemos observar a espontaneidade da criança, que vê naquele monte de areia a infinitude do universo e muito mais: um modo de lidar com as surpresas que encontramos e os desafios que propomos a nós mesmos, mesmo que seja somente brincar pelado. Um trabalho que seria facilmente encontrado em sites como Youtube®, mas que ganha neste programa um status de arte do cotidiano, de liberdade criativa nos momentos prosaicos.

Retornando a um painel mais dramático das relações familiares, o público se emocionou com um curta sobre uma saudade de quem não se conhece, sobre uma tentativa de idealizar para si uma mãe, a partir de um punhado de cartas. Assim se pode definir o trabalho da criadora de Querida Mãe (Patrícia Cornils, 2009), um registro audiovisual da busca engendrada por ela pela história de sua mãe, Zélia Maria. Mesmo que, de início, caminhe um pouco confuso – pela construção pouco fluente entre leituras de cartas e depoimentos -, o espectador acompanha sua jornada até um momento-chave, quando a diretora chora durante a locução de uma das cartas e acontece uma empatia imediata: a descoberta de uma vida anterior a si mesmo e a possibilidade de compreender seu lugar no mundo tocam profundamente o público presente.

Finalizando a noite com uma animação que emprega a técnica de rotoscopia, o curta Balanços e Milkshakes (Erick Ricco e Fernando Mendes, 2009) oferece ao espectador uma história terna que exibe o desabrochar de um relacionamento entre duas crianças. O diretor consegue ir além do que as imagens lhe propõem e, se, em alguns momentos, a narração parece confusa e redundante, é por que ela deseja conduzir seu público pela construção daquela poética infantil da maneira mais clara possível.

Ainda que pareça ter sido pensado no relacionamento de núcleos de parentesco, este programa une todas aquelas histórias em uma única biografia: a do universo, onde todos nós - crianças, avós, mães, pais, irmãos, amigos, parentes distantes etc – estamos juntos na construção de um universo que se estende além de nós mesmos e se conecta com o eterno e o fugaz ao mesmo tempo.